Santiago el Mayor, pintura
Esta pintura es de Fray Angélico, la titulo: "Santiago el Mayor libera a Hermógenes"
El Museo de Arte Kimbell se encuentra en Fort Worth, Texas, Estados Unidos. Tiene una pequeña pero muy interesante colección. Fue inaugurado en 1972. El este Museo se encuentran hermosas representaciones pictoricas entre ellas esta de Santiago el Mayor pintada por Fray Angélico.
FRA ANGÉLICO (Vicchio nell Mugello cerca de 1400- Roma 1455). Beato Angélico o Fray Juan de Fiésole. Beatificado por S.S.Juan Pablo II en 1984. Giorgio Vasari dice de él que "nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas", parece que fue el propio Vasari quien le dio el nombre de “Angélico” aunque al parecer ya se le denominaba así en 1469 pocos años después de su muerte. El hecho de ser fraile y artista le dotan de un carácter personal y original que le diferencian del resto de pintores renacentistas. Es un hombre profundamente religioso y de elevada espiritualidad y esto quedará reflejado en su obra.
Su carrera se desarrolla en Florencia donde trabaja para franciscanos y dominicos, así como para los Medici, pero también acude a Roma, donde trabaja para el Vaticano. En 1418 entra en el Convento de los Dominicos de Fiésole tomando el nombre de Giovanni da Fiésole. No se conoce quién pudiera ser su maestro, pero si que inició su carrera como iluminador de libros religiosos. De ahí paso a realizar retablos y frescos.
En 1436 se traslada junto con otros frailes al Convento de San Marcos de Florencia, recién restaurado por Michelozzo, es allí donde realiza sus frescos más importantes, decorando las paredes de las celdas de todos los frailes.
Los últimos años de su vida los pasa en Roma, donde fallece. Se encuentra enterrado en la Iglesia de Santa María Sopra Minerva
Sus inicios se enraízan con el Arte Gótico, por ello utiliza el pan de oro y realiza una pintura lineal preocupada por el dibujo y la iconografía propia del Gótico. Muestra gusto por las formas curvas, en lo que descubrimos influencia de la Escuela Sienesa del Treccento, y concretamente de Simone Martini.
Pero inicia el Renacimiento en la Pintura al dar gran peso a la ambientación y a un modelo de paisaje naturalista. La anatomía estudiada a través de los ropajes y el volumen cobra importancia, así como el estudio de la perspectiva lineal.
Las composiciones son cerradas, en ocasiones parecen inscritas en formas circulares u ovoides. Las ambientaciones muestran una arquitectura plenamente renacentista.
Su carácter optimista y busca la belleza y la armonía sobre todo, a penas realiza obras de temática trágica y cuando lo hace trata de llenarlos de un halo de paz.
Sus figuras son estilizadas, buscando la belleza y la suavidad de formas. Son en conjunto elegantes y ligeras.Utiliza un color limpio y brillante, con tonos pastel como el rosa y el azul, destacando el tono lapislázuli, pero sigue usando profusamente el pan de oro. Con ellos acentúa la espiritualidad y la expresividad en los rostros. Pinta al fresco y también sobre tabla, usando pastel o témpera. Influye sobre el resto de pintores renacentistas, pero su principal influencia es sobre Fra Filippo Lippi, Lorenzo Mónaco y Benozzo Gozzoli.
Entre sus pinturas se encuentran madonas, pasajes biblicos, Cristos,Virgenes, etc y entre nombraré algunas de ellas sin faltar la que coloque al inicio de Santiago Apóstol y su tecnica: oleo, témpera y pan de oro sobre tabla, tablas, frescos, tripticos, frisos... y se encuentran en diferentes Museos del mundo, Suiza, Francia, Italia, Vaticano.., Conventos y particulares: “Madonna de la Humildad” (Témpera y pan de oro sobre tabla, 1418, El Hermitage, San Petersburgo, Rusia). Se trata de una de las primeras obras del artista, muy influenciada por Lorenzo Mónaco, siguiendo un estilo plenamente gótico. La Virgen muestra su humildad al estar sentada directamente sobre el suelo en lugar de estar entronizada.
“Madonna de la Humildad” (Témpera sobre tabla, 1419, Museo Nazionale di San Matteo, Pisa, Italia). De nuevo repite el tema muy apreciado en la época por encargo de la familia florentina de los Giugni, lo que nos indica que el pintor empezaba a ser muy considerado entre la sociedad florentina. Se trata de un panel perteneciente a un retablo mayor que fue desmembrado.
“Crucifixión con la Virgen, María Magdalena, San Juan Evangelista” (Témpera y pan de oro sobre tabla, 1419-1420, Colección particular). Se puede apreciar la influencia de Lorenzo Mónaco sobre Fray Angélico en la manera en que realiza la anatomía de Cristo al tiempo que da movimiento al paño de pureza, pero añade de su propia maestría al jugar con la postura de los dolientes mediante los que busca la perspectiva.
“Crucifixión” (Témpera y pan de oro sobre tabla, 1420,s, Metropolitan Museum, Nueva York, EEUU). Atribuido a Masolino hasta hace poco tiempo, hoy se considera unánime la autoría de un joven Fray Angélico de esta crucifixión. Debió formar parte de un tríptico o un díptico.
“Adoración de los Magos” (Témpera sobre tabla, 1423-1424, Abegg-Stiftung, Berna, Suiza). Muestra la maestría de Fray Angélico para focalizar la mirada del espectador en lo importante de lo representado, dejando los detalles en segundo plano.
“Retablo de Santo Domingo” (Témpera y pan de oro sobre tabla, 1423-24, Convento de Santo Domingo, Fiésole). Se trata de la primera obra importante realizada por el artista. Representa a la Virgen y el Niño junto con santo Tomás de Aquino -el más grande estudioso de la Orden-, San Bernabé, -patrón de Barnaba degli Agli, benefactor del convento, a quién se dedicó la iglesia,- Santo Domingo -fundador de la Orden- y San Pedro Mártir -primer mártir de la Orden y su predicador más elocuente-. Originalmente se trataba de un tríptico, pero fue remodelado por Lorenzo di Credi convirtiéndose en una sola tabla en 1501.
La imagen de la Virgen con el niño se sitúa en el centro, rodeada por ocho ángeles que enmarcan el trono. Su vestido cae de forma ondulada con un suave estudio de los pliegues, utiliza para él un tono azul que caracteriza el manto de gloria. El Niño, desnudo, está en movimiento para tomar las flores que su madre lleva en la mano. Los nimbos de santidad están realizados en pan de oro y marcados con un ligero relieve.
Las cinco tablas de la predela se encuentran ahora en la National Gallery de Londres. Muestran los coros de ángeles y santos adorando a Cristo. La bandera que porta Cristo es la bandera de San Jorge.
Otras tablas de santos, hoy sueltas se relacionan con el retablo original:
“San Nicolás de Bari” (Colección particular), casi con seguridad era parte del retablo de San Lorenzo antes de su reforma.
“San Miguel” (Colección Particular) casi con seguridad era parte del retablo de San Lorenzo antes de su reforma.
“San Marcos” (Musée Condé, Chantilly, Francia) casi con seguridad era parte del retablo de San Lorenzo antes de su reforma.
“San Mateo” (Musée Condé, Chantilly, Francia) casi con seguridad era parte del retablo de San Lorenzo antes de su reforma.
“San Juan Crisóstomo” (Metropolitan Museum of Art, Nueva York), se cree que también formaba parte del Retablo de San Lorenzo.
“La Anunciación y la Adoración de los Magos” (Témpera sobre tabla, 1424, Museo de San Marcos, Florencia). Realizado aún con trazas góticas con sobreutilización del pan de oro. Muestra las dos escenas superpuestas que destacan por el colorido de las vestiduras.
“San Jerónimo Penitente” (Témpera y pan de oro sobre tabla, 1424, University Art Museum, Princeton, EEUU). Los escudos de armas de los donantes, Zanobi di de Agnolo Gaddi, descendiente de los pintores Agnolo y Taddeo Gaddi y de su esposa, Maddalena Niccolò Ridolfi, están pintados en las esquinas inferiores del panel. Se trata de una pintura sencilla, destinada a la devoción privada, que destaca la figura del santo en actitud mística y que forma el eje central.
“La Madonna de la Estrella” (Témpera sobre tabla, 1424, Museo de San Marcos, Florencia). Llamada así porque la Virgen luce una estrella sobre su cabeza. Aparece abrazando a su hijo cariñosamente. En la parte superior la imagen de Cristo hombre entre dos ángeles se inclina hacia su Madre a la que corona.
“La Madonna de las uvas” (Témpera sobre tabla, 1425, Barbara Piasecka Johnson Foundation, Princeton, EEUU). Se inspira en la “Maddona con el Niño y Santa Ana” de Masaccio y Masolino.
Escena del juicio de los santos que aparece en el lateral izquierdo de la pedrela (Alte Pinakothek, Munich). En esta tabla de la Alte Pinakothek de Munich asistimos a tres escenas diferentes: la oración de los Santos a Dios, el ataque de los demonios al juez, el martirio y la salvación de los santos por Ángeles, están representadas a diferente escala lo que indica diferentes momentos en el tiempo. La perspectiva es estudiada mediante la utilización de los tonos de color, siendo el primer plano más nítido y el fondo más brumoso. La tabla que muestra la condena de San Cosme y San Damián pertenece al lateral izquierdo de la pedrela, junto a la tabla central, y se encuentra en la National Gallery of Ireland, Dublin.
Una extensa colección.
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